En illustratør er en kunstner som lager bilder som kan brukes sammen med annonser, artikler og andre medier. Å lage kunstverk som ser profesjonelt ut, er en utfordring, men alle kan lage strålende illustrasjoner hvis de er villige til å sette av tid til å øve. Du kan forbedre illustrasjonene dine ved å tegne regelmessig, presse deg selv til å takle komplekse emner og bli kjent med de digitale programmene som proffene bruker. Med nok hardt arbeid vil arbeidet ditt begynne å bli bedre på kort tid!
Trinn
Metode 1 av 3: Lag dynamiske illustrasjoner
Trinn 1. Velg plasseringen for lyskilden for å veilede skygger og høydepunkter
Velg et enkelt punkt enten i komposisjonen eller like utenfor det for å plassere lyskilden. Det kan være en lampe eller sol på selve tegningen, eller du kan tenke deg en lyskilde utenfor selve komposisjonen. Bruk lyskilden gjennom tegningsprosessen for å veilede skyggene og høydepunktene for å holde dem konsistente.
- For å lage dynamiske skygger, velger de fleste artister å sette lyskilden øverst til høyre eller øverst til venstre i rammen. Det kan virkelig gå hvor som helst, skjønt.
- For amatørartister er det å legge til unøyaktige høydepunkter og skygger en av de vanligste feilene. Konsekvent lys er en av de beste måtene å få en illustrasjon til å se profesjonell ut.
Trinn 2. Skiss ut det første designet med lettere slag
Det er vanskelig å lage en mesterlig illustrasjon hvis du hopper rett inn i det siste linjearbeidet. Start hver illustrasjon med en blyant eller et lett tegneverktøy, og skissér de grunnleggende elementene i skissen din. Dette vil gjøre det lettere å gjøre mindre justeringer og oppdage eventuelle problemer med komposisjonen før du kommer for langt inn i tegneprosessen.
De fleste profesjonelle illustratører jobber digitalt, men du kan spesialisere deg på fysisk tegning hvis du vil. Mange illustratører skanner eller fotograferer verket sitt fysiske arbeid og berører det digitalt
Tips:
Tegn gjerne hva du vil-spesielt hvis du bare trener. Illustratører tegner et bredt spekter av emner og er avhengige av en rekke forskjellige stiler, så ikke begrens deg til det du forestiller deg at "profesjonelle" illustrasjoner er.
Trinn 3. Bruk en rekke forskjellige linjer for å lage en dynamisk komposisjon
Når du utvikler din første skisse, bruker du forskjellige linjestørrelser og nyanser for å bygge tegningen og lage former. Bruk tykkere linjer for å skissere skarpere funksjoner og tynnere, mykere streker for å bygge teksturer og skygger. Veksle mellom å bruke rette linjer for å legge til definisjon, og frittflytende linjer for å utvikle ujevne former.
- For eksempel kan du bruke strengere, bredere linjer for å skissere sporene i barken på et tre. Deretter kan du bruke lettere slag for å legge til tekstur, og tilfeldige taggete linjer for å gi treverket.
- Det er et unntak fra dette for abstrakte og minimalistiske illustrasjoner. Disse stilene bruker sjelden massevis av forskjellige linjer og er ofte avhengige av en enkelt type linje for å skape en følelse av konsistens i arbeidet.
Trinn 4. Bruk fargepaletter som treffer betrakteren for å fange oppmerksomheten
Fargene du velger er avgjørende for å utvikle en profesjonell illustrasjon. Bruk fargepaletter som står godt i kontrast til hverandre og som passer din komposisjon. For eksempel kan en optimistisk minimalistisk tegning bruke lyse gule, rosa og babyblå. Et mørkere bilde kan bruke lysegrå, svart og hvit alene.
- Bruk nyanser av samme farge for å få bildene til å se tredimensjonale og dynamiske ut. For eksempel kan en basketball være lys oransje på høyre side der lyset spretter av og en brent oransje på motsatt side der skyggen er. Det kan være 3-5 forskjellige nyanser av oransje i det samme objektet.
- Velg kontrastfarger for å få forskjellige objekter til å dukke opp. For eksempel vil et svart slips mot en blå skjorte ikke skille seg veldig godt ut, men svart på gult eller hvitt vil dukke opp av siden.
Trinn 5. Inkluder fargene dine basert på mediet og stilen du bruker
Når du legger til fargene avhenger av prosessen og verktøyene. Hvis du bruker fargeblyanter eller tusjer, jobber du fra de lyseste nyansene til de mørkeste fargene. Digitalt kan du bygge opp fargene dine mens du går. Legg til akvarell- eller akrylfarger til det siste fysiske arbeidet, og bruk dem etter at de har tørket etter behov.
- Å legge til farge sist vil understreke fargene selv og forbedre kontrasten. Hvis du legger til konturene og linjearbeidet sist, vil du sette fokus på selve linjene. Det avhenger virkelig av hva du tegner og hva målet ditt er.
- Du trenger ikke å bruke farge, men de fleste illustrasjoner har en tendens til å bruke den siden farger tiltrekker seerne til å grave dypere ned i produktet eller mediet illustrasjonen går med.
Trinn 6. Legg til skygger og høydepunkter når motivet er utviklet
Når illustrasjonen din har noen detaljer og farger, begynner du å utvikle skyggene og høydepunktene. Bruk mørkere merker for skyggene og lysere merker for skyggene. Plasser skyggene bak gjenstander på motsatt side av lyskilden, og gjør det motsatte for høydepunktene dine. Dette vil gi illustrasjonen din en følelse av dybde og få den til å føles profesjonell.
- Populære skyggeteknikker inkluderer kryss-klekking, det er der du legger vinkelrette linjer over hverandre for å skape dybde og konturskygge, der du legger til krøllingssett med parallelle linjer for å få en form til å føles rund.
- Hvis du jobber digitalt, er viskelærverktøyet en fin måte å myke opp harde linjer og legge til høydepunkter.
Trinn 7. Bruk materialer av høy kvalitet hvis du lager fysisk kunst
Plukk opp noen finere grafittblyanter i en rekke forskjellige tettheter for å gjøre skyggelegging enklere. Ta noen tegneblokker med syrefri papir for å bevare arbeidet ditt. Hvis du arbeider med blekk, kan du kjøpe en bunt med avanserte kunstmarkører for å gjøre farging og skyggelegging enklere.
Hvis du jobber digitalt, er det ingen erstatning for et fint tegnebrett med en god penn. Dette er i utgangspunktet den eneste maskinvaren du trenger for digital illustrasjon
Metode 2 av 3: Forbedre teknikken din
Trinn 1. Ta avanserte kunstklasser for å forbedre dine generelle ferdigheter
Se på nettet etter klasser på lokale gallerier eller kunstbutikker. Ta kontakt med ditt lokale universitet for å se nærmere på noen kunstklasser. Finn en klasse for avanserte artister for å virkelig presse dine ferdigheter til det maksimale og plukke opp noen nye triks. Delta på en klasse hver 1-2 uke for å holde fast ved det og forbedre deg som artist.
Du kan kanskje ta en online-time hvis du holder uvanlige timer eller jobber en heltidsjobb. I internettets alder er det ressurser overalt! Hopp på YouTube eller sjekk ut noen artikler om avanserte tegneferdigheter for å utvikle teknikken din
Trinn 2. Sett av 1-2 timer om dagen til å illustrere og øve
Det er vanskelig å lage profesjonelle illustrasjoner hvis du ikke tegner regelmessig. Sett av tid hver dag for å jobbe med illustrasjonene dine og fortsett å øve. For mange mennesker er det en flott måte å holde seg motivert og starte dagen på et kreativt notat ved å sette av tid til det første om morgenen.
Ikke bli vant til å tvinge deg selv til å fullføre illustrasjoner i en enkelt 4 til 5-timers økt. Å ta pauser og bruke tid på et bilde vil hindre deg i å få tunnelsyn og gjøre feil
Trinn 3. Utfordre deg selv ved å takle tøffere komposisjoner og emner
Illustratører blir bedt om å tegne et bredt spekter av emner. Tving deg selv til å utvikle deg ved å velge komplekse emner for treningsøktene dine. Velg unike perspektiver, trekk mennesker fra ulike vinkler, og arbeid med å tegne objekter du ikke er kjent med for å utvikle en bedre sans for en rekke emner.
Tips:
Hender, øyne, sykler, blomster og fantasifigurer er ganske kompliserte. Disse emnene er gode å øve på hvis du ikke føler deg spesielt inspirert.
Trinn 4. Lek med realistiske og abstrakte stiler for å presse deg selv
Illustratører har forskjellige stiler, men de jobber ofte med klienter for å lage arbeid som passer til en artikkel, reklame eller andre medier. Siden hver jobb er forskjellig, er det viktig å ha en rekke teknikker og stiler til din disposisjon. Lag en rekke realistiske, abstrakte, minimalistiske og tegneserieaktige bilder for å skyve konvolutten og utvikle deg som kunstner.
Illustratorer lager ofte også logoer. Hvis dette er noe du er interessert i, jobber du med å håne og tegne logoer for sammenslåtte selskaper for å se hva du kan finne på
Trinn 5. Øv ved å lage illustrasjoner for historier og artikler du leser
Illustratører har som oppgave å lage bilder som matcher et produkt eller et stykke medie. Velg en roman, artikkel eller produkt, og øv deg på å lage et bilde som matcher det. Dette vil gi illustrasjonene dine en hensikt, og du blir flinkere til å ta et kjernekonsept og gjøre det til et kunstverk.
- For eksempel kan du designe en illustrasjon for et brusfirmaes plakat ved å tegne noen som nyter en forfriskende drink, eller tegne et miniatyrbilde for en artikkel om truede dyr ved å vise en majestetisk fugl flyr fra forurensning.
- Å illustrere scener fra en roman er en flott måte å jobbe med storyboarding og lage narrative bilder som går med hverandre!
Trinn 6. Behold en notatbok og skriv ned ideene dine når du får dem
Du vet aldri når inspirasjonen kommer til å slå til! Ha en liten notatbok i lommen, og skriv ned ideene du får når du skal gjøre dagen din. Bruk ideene i notatblokken din til å velge interessante emner og øv deg på å utvikle kunsten din fra konsept til produkt.
Du kan bruke en telefon til å holde notater hvis du vil, men å bruke en notatbok er flott fordi du kan lage en rask skisse av ideen din hvis du er mer en visuell tenker
Trinn 7. La din kunstneriske stil utvikle seg naturlig for å finne stemmen din
Det er greit å kopiere en annen kunstners verk hvis du vil øve eller prøve en ny teknikk, men ikke bli fast i å prøve å finne en enkelt stil. Din personlighet som kunstner vil utvikle seg naturlig over tid, og å tvinge deg selv inn i et hjørne vil bare sette grenser for kunsten din når du går fra amatørtegning til profesjonell illustrasjon.
Hvis du er virkelig god i en bestemt tegningstil, er det ikke noe galt i å holde fast ved det. Noen illustratører spesialiserer seg på spesifikke typer kunst, men mange fagfolk bruker en rekke forskjellige stiler for å tilpasse seg forskjellige prosjekter
Metode 3 av 3: Bruke et illustrasjonsprogram
Trinn 1. Last ned Adobe Illustrator hvis du vil gå inn på profesjonell illustrasjon
Adobe Illustrator er bransjestandard. Du kan bruke programmet til å lage arbeid fra bunnen av, redigere fysisk kunst for å berøre det, og leke med farger og filtre for å gi kunsten din det mest profesjonelle utseendet. Gå til Adobes nettsted og betal for å laste ned programmet til datamaskinen din.
- Illustrator er abonnementsbasert. Du må betale $ 20 i måneden for å beholde den på datamaskinen din. Hvis dette er for mye, er det mange billigere eller gratis alternativer.
- Hvis du vil redigere et stykke fysisk kunst, har du to alternativer. Den første er å bruke en skanner til å lage en digital kopi av kunsten din. Det andre alternativet er å fotografere kunstverket og importere bildet til illustratøren.
Tips:
Adobe Illustrator og Adobe Photoshop er veldig like, men det er en viktig forskjell som endrer alt. Photoshop bruker piksler, mens Illustrator bruker vektorer. Dette betyr at bilder i Photoshop blir forvrengt når oppløsningen endres, men alt du lager i Illustrator beholder detaljene når du roter med skalaen.
Trinn 2. Bruk et alternativt illustrasjonsprogram hvis du er frilanser eller hobbyist
Hvis du ikke er en profesjonell kunstner og bare ønsker å forbedre utseendet på illustrasjonene dine, er det ikke nødvendig med Adobe Illustrator. Affinity Designer er det mest populære alternativet, men Sketch og Vectr er også gode valg. Inkscape og BoxySVG er også gratis og populære alternativer. Gå online og last ned et illustrasjonsprogram.
Det er veldig vanskelig å lage profesjonelle illustrasjoner uten å berøre bildene dine digitalt. I utgangspunktet er hver illustrasjon du ser i produkter, annonser og publikasjoner redigert med et illustrasjonsprogram
Trinn 3. Berør kunsten din ved å legge til eller redigere linjearbeidet og teksturer
Velg penselverktøyet og juster linjens størrelse, form og gjennomsiktighet. Bruk et nettbrett, en kunstput eller musen til å legge til mindre elementer i illustrasjonen din. Dette er perfekt for å gjøre veldig små justeringer som er vanskelige å gjøre på papir. Last ned teksturpakker eller bruk forhåndslastede teksturer for å gjøre flate fargenyanser til dynamiske overflater.
Du kan gjøre alt til en tekstur ved å konvertere et bilde til et nytt lag og endre gjennomsiktigheten
Trinn 4. Gjør større endringer ved å legge til flere lag eller bilder
Hvis du vil kombinere eller legge til nye elementer i et bilde, bruker du lagverktøyet til å legge til en annen overflate på kunstverket. Importer deretter det andre kunstverket eller et forhåndsgitt digitalt objekt. Flytt den rundt på illustrasjonen for å lage dynamiske collager og intrikate design.
- Å jobbe i lag er en av de vanskeligste delene av å mestre et illustrasjonsprogram. Det er helt avgjørende hvis du vil leke med å gjøre store endringer.
- Du kan ikke importere eller bruke andres kunst i illustrasjonen din.
Trinn 5. Juster lysnivået og fargene for å få illustrasjonen til å poppe
Trekk opp fargegliderne for å justere de generelle fargene og leke med metningen. Hvis du vil endre fargene på individuelle objekter, bruker du klippverktøyet til å isolere eller kutte ut deler av kunstverket og justere fargene separat fra resten av stykket. Spill med fargene i kunsten din til du er fornøyd med hvordan den ser ut.
- Metning refererer til fargenes intensitet. Profesjonelle illustrasjoner er ofte svært mettede for å få fargene til å poppe så mye som mulig. Dette tiltrekker folk og trekker dem inn for å se på media knyttet til illustrasjonen.
- Det er ingen harde regler når det gjelder farge. Det er helt opp til deg som kunstner å bestemme hvordan fargene i kunsten din faktisk ser ut.
Trinn 6. Bruk filtre til å endre kunstverket helt og gi det et nytt utseende
Det er en rekke filtre innebygd i illustrasjonsprogrammet, men du kan finne flere filtre på nettet. Filtre bruker en ensartet tekstur eller stil på et kunstverk uten at du gjør noe for hånd. Du kan bruke filtre til å få bildet til å se ut som om det er fra en tegneserie, få det til å se ut som det er trykt i en avis eller justere tegningen med et mønster eller en tekstur.
